Със своето динамично показване на облекла, фотографии и акварелни скици, изложбата през 2013 г. Стивън Бъроуз: Когато модата танцува , в Музея на град Ню Йорк, отговаря на името си и е типичен пример за мода като изкуство на пърформанса. Кинетично позираните манекени, облечени в безпогрешния стил на Бъроуз - палитра с окото, блокирани с цветове шарки и пърхащи подстрижени с марули ръбове - предизвикаха енергийните танцови движения на клубната сцена от 70-те години. Ефектът беше също толкова ефективен, колкото инсталацията, а на звездното откриване емблематичният модел Иман изрази пълната си радост, че постиженията на Бъроус в модата се честват в музей.
Дрехите, някога считани за културни артефакти или примери за занаяти, се преместиха на централната сцена в музейните изложби, когато Даяна Вриланд лансира тенденцията. През 1972 г. бившият редактор на списанията Vogue и Harper's Bazaar пое юздите на Института за костюми на Metropolitan Museum of Art (Met's) в Ню Йорк. Нейните грандиозни изложби - замислени с целия нюх на лъскава фотосесия - превърнаха спомагателната колекция във високопоставена атракция, привличайки безпрецедентни тълпи, както и дарения на модерна и съвременна мода от щедри покровители, предложения, които преобразиха историческите притежания. Под ръководството на Vreeland популярната модна мода активизира размитата представа за исторически костюм.
През последното десетилетие такива изложби като „Опасните връзки“ на Met (2004), инсталация на екстравагантни дрехи от 18-ти век във френските стаи, повишиха статуса, както и профила на облеклото в музейните колекции. В допълнение, през 2011 г. модната ретроспектива „Alexander McQueen: Savage Beauty“ счупи рекордите по посещаемост на Met за модна изложба в Института по костюми и предефинира модата от гледна точка на изобразителното изкуство. Безпрецедентен брой изложби през 2013 г. включват дрехи - както исторически, така и модерни - като част от ключовата концепция. Met беше един от трите музея, в които се монтираха „Импресионизъм, мода и модерност“, който представи автентични облекла, монтирани до картини, за да отпразнува ролята на модата във Франция в края на 19-ти век, а Met постави „Punk: Chaos to Couture,”Изследване на пънка като културен феномен, който разми границата между изкуствата, уличния живот, начина на живот и модата. Друго предаване беше „Появите могат да бъдат измамни: роклите на Фрида Кало“ в Casa Azul (бившият дом на художника в Мексико Сити), в което нейният неортодоксален гардероб беше представен като част от нейната артистична практика.
Съответна прегръдка на модата се наблюдава в съвременното изкуство. Белгийската художничка Изабел дьо Борхгрейв се вдъхнови от портрети на такива ренесансови майстори като Ботичели и Бронзино, както и от класически модни дизайни на Мариано Фортуни и Кристиан Диор за нейните зашеметяващи пълномасштабни скулптури на дрехи; всяка характеристика - декоративна или структурна - беше щателно представена в хартия. Звуковите костюми на цялото тяло на Чикаго Ник Кейв обединиха маскарад с носеща скулптура. Любимата среда на британско-нигерийския художник Yinka Shonibare беше двулицевият плат от батик, произведен от холандската компания Vlisco, от който той изработва дрехи, вдъхновени от историята. Платът Vlisco е създаден за първи път през 1846 г. като произведена алтернатива на трудоемката техника на индонезийския восъчен батик. След това се предлага на пазара в Западна и Централна Африка,където стана популярен сред местния елит. Шонибаре описва тъканта като „кръстосана порода“, а сложността на произхода му добавя символична тежест, както и красота към провокативните му таблици.
Сред младите американски художници модата предоставя повече от вдъхновение или иконография; от гледна точка на идентичност и естетика, това е неразделна част от тяхното изкуство. За да облечете такива меки скулптури като This Yellow Shell (2013) и Soul Elsewhere(2013), базираната в Бруклин Шиник Смит манипулира тениски, дънки и маратонки. Странната мутация на познати облекла засилва мощната жизнена сила на нейните пищни форми. Кехинде Уайли черпи вдъхновение от известни европейски картини, но както се вижда на осемте портрета в изложбата му през 2013 г. „Мемлинг“, той замени великолепно облечените светии на Ханс Мемлинг и фламандските бюргери с млади афроамерикански мъже, облечени в агресивния градски стил на хип-хопа и Нюйоркска улична култура. Делано Браун беше толкова изцяло включил модата в своето изкуство, че рисува флорални шарки върху рокли, носени от живи модели по време на изложбата си в галерията Smart Clothes Gallery в Долната източна страна на Манхатън. Браун каза, че неговият метод - частично изпълнение и частично производство - прави изкуството достъпно, отбелязвайки, че за разлика от „платно от 50 000 долара,"Елемент от облеклото" е нещо, което всички разбират. "
В рецензията на критик Холанд Котър за „Белите венчелистчета обграждат твоето жълто сърце“ - групова изложба за 2013 г. (проведена в Института за съвременно изкуство във Филаделфия), която изследва предпоставката, че „носиш това, което си“ - той приветства факта, че „ нещо като мода като изкуство “беше станало„ разхвърляно и объркващо “. Тъй като границите, които някога са разделяли модата и изкуството, са станали напълно пропускливи, модните дизайнери стават все по-актуални като присъствие в света на изкуството. Например, модният дизайнер Карл Лагерфелд, който си беше осигурил репутацията на опитен фотограф, през 2013 г. организира изложба „Огнени офорти“, изображения с подсветка с оразмерено на стъкло огнено стъкло в галерия Gmurzynska в Санкт Мориц, Швейцария . Също през 2013 г. дизайнерът на аксесоари Рийд Краков получи награда за музей на американското изкуство Уитни. За да отбележи събитието той привлече няколко артисти,по-специално скулптор и график Кики Смит и фотографът Нан Голдин, за да му помогнат да създаде персонализирани версии на популярната си чанта Reed Krakoff Track; тоталите бяха показани на церемонията по награждаването и след това бяха предоставени за закупуване в магазина за подаръци.
Още през 2007 г. проектите на Деймиън Хърст за Levi's и Takashi Murakami за Louis Vuitton (представени в магазин за подаръци, включени в ретроспекция на работата му в Музея за съвременно изкуство в Лос Анджелис) предизвикаха остър критичен дебат за връзката между изобразителното изкуство и консуматорството . До 2013 г. обаче такива продукти, проектирани от художници, са не само желани от потребителите, но и преглеждани от критиците. В допълнение, комисионите за продуктите - и публичността, която те генерираха - бяха търсени с нетърпение от художниците. Уличните художници Retna, Aiko и екипът на братята близнаци Os Gemeos създадоха песъчливи графити мотиви за луксозните копринени шалове и палантини на Louis Vuitton. Линията на мъжкото облекло на Vuitton представи ансамбъл от главата до петите, създаден от братята Чапман (Джейк и Динос).Техният мотив „Градина в ада“ включваше плат, шарен с плетени клони, цветя и стилизирани животни на кървавочервен фон, вдъхновен от апартамента на Vreeland в Манхатън. Модната къща Alexander McQueen подслушва Hirst, за да създаде ново издание на шал на черепа на покойния дизайнер, за да отпразнува 10-годишнината от въвеждането на линията шал на McQueen; Хърст пресъздаде завладяващите бъгове, пеперуди и паяци от собствената си серия от Entomology от 2009 г., като пълзящи принадлежности по черепите на McQueen.Хърст пресъздаде завладяващите бъгове, пеперуди и паяци от собствената си серия от Entomology от 2009 г., като пълзящи принадлежности по черепите на McQueen.Хърст пресъздаде завладяващите бъгове, пеперуди и паяци от собствената си серия от Entomology от 2009 г., като пълзящи принадлежности по черепите на Маккуин.
Дизайнерите отдавна са се обърнали към изкуствата за вдъхновение, най-вече, както се вижда в цветната рокля на Mondrian на Ив Сен Лоран (1965) и неговата поп арт линия (1966), в които са изобразени графични апликации на сърца и лица. Маккуин транспортира студиото до пистата по време на шоуто си през пролетта и лятото през 1999 г., когато измисли два робота за пръскане на боя, за да трансформира номер 13, рокля от муселин без презрамки, носена от модела Шалом Харлоу, докато тя се въртеше на грамофон, в черно и жълто абстрактна живопис. През колекциите от есента на 2013 г. няколко дизайнери отдадоха отличителна почит на художествено-историческия лексикон: Мария Грация Киури и Пиер Паоло Пичоли преработиха силуетите и луксозните тъкани на фламандския портрет в конфекция за Valentino. Византийско изкуство, адаптирано от мозайките, разположени в град Равена, Италия, украсява ансамблите на Долче и Габана,които бяха снабдени с малки златни корони. Дизайнерът Раф Саймънс взе художника Анди Уорхол като негова муза при създаването на закачливи графични мотиви за Dior. Виктор и Ролф обаче бяха тези, които безпроблемно обединиха дизайна и изпълнението. Те се върнаха към корените си в модата за своето шоу на 20-годишнината в Париж, създавайки обгърнати дрехи в богата матово-черна вълна. Всеки модел бавно излезе на пистата, спря и се спусна на пода в поза, която преобрази облеченото й тяло в скулптура. Спиращата дъха колективна таблица - напомняща простичките, но разтърсващи форми на умишлено подредени скали в градината за медитация на дзен - постави накрая неприятния въпрос за границите между изкуството и модата. Като отхвърли разликата между концептуалното изкуство и модния дизайн, Виктор и Ролф предефинираха модата като пърформанс изкуство.
